Ismael "Maelo" Rivera, Trovador del sentimiento popular

Ismael "Maelo" Rivera es un personaje imprescindible en nuestra historia cultural por establecer nuevas tendencias en la música puertorriqueña. Bautizado como el "Sonero Mayor" por el cubano Benny Moré, es recordado porque como cantante gozaba de unas virtudes sin igual, con un dominio ejemplar de la clave, un buen fraseo y un maravilloso arte de la improvisación. Uno de sus grandes méritos fue transformar las formas de nuestro canto popular al ritmo de su "Maquinolandera" y su "Arrecotín arrecotán", con un sentimiento callejero que dignificó a "Las caras lindas" de nuestra gente negra y pobre. Su trayectoria nos dejó un legado que trasciende la maravilla de sus interpretaciones, consignadas en "Las tumbas", "La Perla", "Colobó", "La soledad" y "Las ingratitudes". La historia de un juglar ejemplar Nacido el 5 de octubre de 1931, en Santurce, Ismael Rivera debutó en 1954 como cantante profesional junto a la Orquesta Panamericana del maestro Lito Peña. Su primer éxito fue "Chacha in blue", aunque se recuerda más por su interpretación de "Charlatán". En 1955 se une a El Combo de Rafael Cortijo, su amigo y compadre, y se coloca como una de las mejores voces de nuestro país con sus majestuosas vocalizaciones de "El bombón de Elena" y "El negro bembón", haciendo bailar a todos "Con la punta del pie", siempre con un peculiar "Saoco" que sólo podía disfrutarse con "Tambores africanos". Con el Combo de Cortijo permanece hasta el 1962 cuando, de regreso a la Isla después de una gira musical por Panamá, es ingresado a una prisión en Lexington, Kentuky, al ser acusado junto a Rafael Cortijo de posesión de drogas. Ambos cumplieron 4 años de cárcel. A su salida de prisión, en 1966, se reintegra a la agrupación de Cortijo y graba los discos "Bienvenido" (1966) y "Con todos los hierros" (1967). Pero sus deseos de explorar otros rumbos lo llevaron a instalarse en la ciudad de Nueva York, donde originó, a finales de la década, su banda Los Cachimbos, con la que grabó 11 discos. Su próximo junte musical con su compadre fue el 25 de junio de 1974, en un concierto celebrado en San Juan con los integrantes originales del Combo. El encuentro derivó el álbum "Juntos otra vez", que fue reeditado en 1982 con el nombre de "Ismael Rivera: Sonero Número 1". Recordado por su grito de "ecuajei", Maelo nos regaló un repertorio musical maravilloso que transita varios géneros caribeños, matizados con una línea temática diversa y que hoy son una discografía inmortal que es referencia obligada para el estudio de la música popular puertorriqueña. Sus melodías contaron historias, como "Micaela", "Juan José", "La hija de la vecina", "Perico", "Madame Calalú", "La gata montesa", "Los apuros de Miguel", "La sazón de abuela" y "El pilón de Tomasa". Su voz le cantó a "Borinquen" y también hubo expresiones románticas como "Tonto del amor", "Lágrimas puras", "Besitos de coco", "Dueña de mi inspiración" y "Ella no merece un llanto". Fue un perpetuo intérprete del más sincero sentimiento popular. Destacado por su capacidad interpretativa y audaz en el tránsito rítmico, convirtió sus vocalizaciones en joyas. Al momento de su muerte, el 13 de mayo de 1987 a los 56 años de edad, había descendido en fama, aunque su presencia musical siempre gozó de la veneración de los melómanos. Su trayectoria artística se elevó como nunca, engrandecida por el recuerdo de los miles de puertorriqueños que todavía cantan "Mi negrita me espera", "Incomprendido", "Oriza", "Perfume de rosas", "Cúcala", "El chivo", "Cara de payaso", "Mi libertad eres tú", "La llaman solita", "Dime por qué", "Hasta mañana", "Traigo salsa", "El pañuelito", "De todas maneras rosas", "Hola" y "Lo dejé llorando", entre otras. La herencia que nos deja la figura de Ismael Rivera supera los límites que conforma nuestro pentagrama, llegando a ser digno representante de la elevación de nuestra herencia africana, justo en el momento en que el país disfrutaba de la magna revolución racial que colocó los nombres de Roberto Clemente y Peruchín Cepeda en la cúspide la fama. Antes de cantante, Ismael Rivera fue limpiabotas y albañil. Desde niño construía instrumentos rudimentarios para alborotar por el vecindario. En 1952 ingresó al ejército y fue licenciado por no hablar inglés. Su salida de la Orquesta Panamericana fue por un lío de faldas. Inició su participación en el Combo de Cortijo cobrando $32.80 semanales, una cantidad menor a los $55.00 que ganaba como albañil. Dos de sus interpretaciones más famosas, "Maquinolandera" y "Las ingratitudes", fueron escritas por su madre, Margarita Rivera García ("Doña Margó"). En Nueva York, cantó con Tito Puente y grabó un disco para el sello Fania, convirtiéndose en 1979 en el artista mejor pagado por esa casa disquera junto a Celia Cruz. En su carrera llegó a acumular una fortuna de $3 millones. La muerte de Rafael Cortijo, el día de su cumpleaños en el año 1982, le afectó al extremo de perder la voz y se dice que desde ese día no volvió a ser el mismo. En 1983 no pudo cantar más tras sufrir cáncer en la garganta. Antes de morir, disfrutó de un homenaje que le prepararon en el coliseo "Roberto Clemente". Fue fiel devoto del Cristo Negro de Portobelo, a quien dedicó la canción "El Nazareno", escrita para él por su amigo Henry Dávila. Bobby Capó le escribió el tema "Las Tumbas". Fue el mejor intérprete de Tite Curet Alonso. Murió la tarde del miércoles 13 de mayo de 1987, en su casa, sentado en una silla y sobre el hombro de su madre. "Meribelemba" En 1948 Ismael Rivera era conguero del Conjunto Monterrey dirigido por Monchito Muley, en el que Cortijo era bongocero. Como sonero, Maelo no versaba en un espacio fijo, sino que soneaba encima de las voces del coro y siempre en clave. Gozaba de un dominio instintivo de la clave con un uso extenso de la polirrítmia. Fue autor de las frases "maribelemba", "ecuajey" y "sacude zapato viejo". Compuso el tema "Besito de Coco" que popularizó Celia Cruz. Fue autor de "Sola vaya", "Arrecotin arrecotán", "Amor salvaje", "Aquí estoy, ya yo llegué", "La cumbita", "Mi libertad eres tú" y "El que no sufre no vive". Grabó un tema soul, "Yo no quiero que te enamores", en el disco "Soy feliz" (1975). En 1981 fue la sensación del concierto de Bob Marley y sus Wailers, en París y ante la expectación de 75,000 personas. Fue el primer cantante negro de música popular en aparecer en televisión y en una producción cinematográfica nacional: "Maruja" (1959), seguido por su participación en el filme italo-francés "Calypso" y la cinta italiana "Mujeres en la noche". Trascendencia de El Sonero MayorÁlbum de recuerdos Historia de la salsa Ismael Rivera (5 de octubre de 1931 – 13 de mayo 1987) De niño fue limpiabotas y de joven albañil. Antes de cantante, Ismael Rivera fue el conguero del Conjunto Monterrey dirigido por Monchito Muley, en 1948. Rafael Cortijo era el bongosero. De la mano de Rafael Cortijo, Ismael Rivera debuta profesionalmente en 1954 como cantante en la Orquesta Panamericana, dirigida por Lito Peña. Ese mismo año (1954) acepta la invitación de su compadre Rafael Cortijo para grabar "El bombón de Elena", en el disco "Cortijo y su Combo: Invites you to dance". Luego de "El bombón de Elena", Ismael Rivera graba su primer disco 45 rpm con la Panamericana, el cual incluía los temas "Beautiful Girl" y "Charlatán". En "Beautiful Girl" el sonero canta en inglés, mientras que "Charlatán" fue su primer gran éxito con la Panamericana. Los temas "El bombón de Elena" y "Charlatán" se pegaron en la radio simultáneamente. Ismael Rivera se destacó por su inigualable estilo interpretativo y por contar con un verbo exquisito para la improvisación con un amplio sentido de la clave. Hace varios años, el músico Lito Peña, refiriéndose a Ismael Rivera, comentó, durante una entrevista en el programa "Sábado de bohemia", conducido por Rafi Torres en WKAQ Radio Reloj, que "tan pronto lo conocí me di cuenta que estaba frente a una persona sumamente inteligente". Fue el primer hijo de Margarita Rivera García y Luis Rivera Esquilín. El cantante tuvo cuatro hermanos: Diego, Laura, Ivelisse y Tommy. Su madre, Doña Margó, era natural de Gurabo, y hay quienes afirman que El Sonero Mayor nació en el denominado "Pueblo de las Escaleras" y que cuando apenas tenía meses de nacido se fue a residir a Santurce, donde cosechó su vida. Murió a lo 56 años de edad, al lado de su madre, Doña Margó, en su residencia en la calle Calma de Villa Palmeras.

Recordando a PELLÍN RODRÍGUEZ

Pedro Rodríguez De Gracia, mejor conocido como Pellín Rodríguez fue uno de los más destacados intérpretes puertorriqueños de música popular. Amigo de todos, disfrutaba compartiendo con niños y jóvenes. Todos lo estimaban y admiraban por sus interpretaciones, pero también le querían por su gran calidad humana. Pellín nació en Villa Palmeras el 4 de diciembre de 1926. Falleció en San Juan, el 31 de octubre de 1984. Fueron sus padres doña Tomasita De Gracia y Don Zenón Rodríguez. Fue el sexto de diez hermanos: ocho varones y dos mujeres. Siendo aun un adolescente, formó parte del Conjunto Moderno, un grupo organizado en el Barrio Obrero. Poco después se integró a los Dandies del ’42 que dirigía Johnny Seguí. Los Dandies del 42 de Johnny Segui, en el Club Caborrojeño (1955). Foto de los archivos de Jaime Jaramillo Luego pasó a cantar con la Orquesta de Carmelo Díaz Soler, orquesta exclusiva del salón de baile “El Guadalquivir” en Isla Verde, sector del pueblo de Carolina. Cantó además con la Orquesta de Moncho Úsera y el cuarteto de Manuel Jiménez “Canario”, entre otros. Más tarde formó parte, junto a Gilberto Monroig, de la Orquesta Tropicana de Rafael Elvira. Ramón Usera Vives “Moncho Usera” Gilberto Monroig Estando con la Tropicana, vino a Puerto Rico Noro Morales, director de una de las principales orquestas de Nueva York. Este oyó cantar a Pellín en un programa en vivo, de la antigua WIAC en Miramar y lo contrató para cantar en Nueva York, Allí lo conoció Xavier Cougat y en ocasiones cantaba con su orquesta en calidad de préstamo, por la amistad que existía entre Noro y Cougat. Un tiempo después Noro Morales disolvió la orquesta y formó un sexteto. Fue entonces cuando Pellín comenzó a trabajar en el Palladium con José Curbelo, Tito Puente y otros. Además trabajó para Ed Sullivan. En aquella época, Pellín establece un record en el Paramount, donde cantó por seis semanas consecutivas. Luego se traslada a Chicago donde vivió por varios años y formó su propio grupo. A su regreso a Puerto Rico, coincidió con Noro Morales, quien tenía un contrato con el Hotel La Concha. Noro le pidió a Pellín que se uniera a la orquesta mientras estaba en Puerto Rico y éste lo complació. Pero eso fue por poco tiempo, ya que se estaba organizando un nuevo grupo de los integrantes de Cortijo y su Combo y le pidieron a Pellín que se uniera. Así fue que surgió “El Gran Combo de Puerto Rico”. Luego de muchos años con El Gran Combo, donde cantaba con Andy Montañez, se fue a Venezuela. Allí trabajo con la orquesta La Salsa Mayor donde tuvo mucho éxito. El llamado a su Isla fue más fuerte y volvió a probar fortuna; esta vez como solista. Se inició en esta faceta con el disco “Amor Por Ti”. Esta grabación lo situó entre los boleristas más populares de esos años, con la que ganó un Disco de Oro. Pellín se mantuvo cantando toda su vida. Celebró los 45 años en la música, un acontecimiento muy significativo para él. En sus últimos años cantó acompañado de grandes amigos como Roberto Roena, Andy Montañez, Milton Correa, Elías Lopés y Martín Quiñones, entre otros. Estos se unieron para formar “El Combo del Ayer” con gran éxito. Además de cantante Pellín fue comediante, demostrando esta habilidad natural en el “Show de las 12” junto al animador Eddie Miró y en otra ocasión, en el programa “Cambia Cambia”, donde compartía con Atilda Pedrosa y Alfred D. Herger. Fueron muchos los logros y éxitos de en su profesión como artista y cantante; pero su mayor orgullo era ser un “Cantante de Pueblo”, como describió Gilberto Santarrosa. Más que un amigo, la gente de Villa Palmeras, Lloréns Torres, Shangai, Barrio Obrero y de todas partes, en y fuera de Puerto Rico, lo consideraban un hermano. Porque Pellín compartió con su pueblo la vida misma. Compartió en sus sencillez, pescando en Piñones (por que la pesca era su otra gran pasión); compartió su café con el cartero o el recogedor de basura que pasaba al amanecer, buscando tablas para arreglar las casitas de los menos afortunados y hasta recogiendo latas para los demás…siempre cantando y riendo. Hoy día la calle Providencia en Villa Palmeras lleva el nombre de Calle Pellín Rodríguez y su busto en la Placita de los Salseros junto a los inmortales Rafael Cortijo, Ismael Rivera y Héctor Lavoe. Algunos de los hijos de Pellín Rodríguez: El Dr. Pedro Rodríguez, Ingeniero Civil en la NASA y Puchy Rodríguez quien ha seguido a tiempo parcial el legado musical de su padre.

Tite Curet Alonso

Somos muchos los que hemos escuchado, bailado o cantado la música de Tite Curet. Estoy segura que también que somos muchos los que desconocemos que muchas de esas canciones son de la autoría de Don Tite. Un ejemplo, clásicos de la salsa como “Periódico de ayer”, “Barrunto”, “Anacaona”, “El hijo de Obatalá”, “Planté bandera”, “Juan Albañil”, “Las caras lindas”, “Marejada feliz” y “Plantación adentro”, entre muchas otras, son solo una pequeña muestra de los éxitos de Tite.


Sus composiciones tenían el sello de éxito y fueron cantadas por intérpretes como La Lupe, Tito Rodríguez, Ismael Rivera, Héctor Lavoe, Cheo Feliciano, Andy Montañez, Rubén Blades, Willie Colón, Nelson Ned, Sandro y Menudo, entre otros. Fue precisamente el éxito cantado por La Lupe "La Tirana" quien lo llevo a tener reconocimiento como compositor de éxitos.


Recientemente fue liberada su obra después de una disputa legal y pronto comenzarán a escucharse nuevamente sus canciones por las ondas radiales de todo el mundo. Les muestro a continuación la biografía de esta gloria puertorriqueña tomada de la página de la Fundación Nacional para la Cultura Popular donde pueden encontrar más información sobre Don Tite y la reciente noticia de la liberación de su obra.


Es uno de los compositores puertorriqueños más prolíferos de la última mitad de siglo. Y uno de los que más canciones ha llevado al primer lugar de la popularidad.


Catalino Curet Alonso nació en el barrio Hoyo Inglés del municipio de Guayama. Su madre era costurera. Su padre era músico de la orquesta de Simón Madera y profesor de español. Ante la separación de sus progenitores, Tite se mudó con su madre a Barrio Obrero de San Juan. Y según recuerda, cuando le solicitaba dinero a su padre, éste le devolvía la carta, marcada con la debida corrección de acentos, y con el pedido cumplido.


Su carrera en la música comenzó con educación básica en teoría y solfeo con el profesor Jorge Rubián. Sus primeros pasos en la composición los dio en Nueva York, en 1965, cuando compuso para Joe Quijano sus primeros temas.


Tres años más tarde, Tite compuso la canción "El gran tirano" para el bolerista cubano Roberto Ledesma. Y ante la no utilización del número por parte de éste, se dio la oportunidad de adaptar la canción, en una versión femenina, para la cantante cubana La Lupe.


"La tirana" convirtió a Tite Curet en una sensación del pentagrama popular. Y añadiendo al repertorio de la legendaria intérprete "Carcajada final" y "Puro teatro", la carrera del compositor guayamés comenzó a despuntar en grande.


En 1969 el trío Los Andinos le grabó "Detuve el reloj", el trío Los Condes se anotó un éxito similar con "Brujería" y Tito Rodríguez le convirtió en clásico los temas "Tiemblas" y "Don Fulano".


Coincidiendo con el surgimiento del movimiento salsero en Nueva York, Tite Curet Alonso se convirtió en uno de los compositores de mayor demanda del movimiento. Su producción junto a Jerry Massucci para marcar el regreso de Cheo Feliciano a la canción hizo historia y produjo éxitos como "Anacaona", "Mi triste problema", "Pa' que afinquen", "Si por mi llueve" y "Franqueza cruel".


En 1971 le dio a Willie Colón el éxito "Piraña". Meses más tarde produjo para Ray Barretto "Testigo fui" y "Vale más un guaguancó". Su comunión con el género afroantillano le dio aciertos como "Las caras lindas de mi gente negra" y "De todas maneras rosas" grabadas por el sonero Ismael Rivera, "Periódico de ayer" interpretada por Héctor Lavoe, "Plantación adentro" compuesta para Rubén Blades, "La esencia del guaguancó" cantada por Pete "El Conde" Rodríguez y "El prestamista" producida para el maestro Rafael Cortijo.


Sin embargo, su versatilidad como compositor le ha llevado más allá de la salsa para incursionar en otros géneros como compositor. En la balada produjo "Tema de Nilsa" que le grabara Johnny Olivo. En el merengue "Yo me dominicaniso" para Los Hijos del Rey. En la etapa del neofolklore compuso para Tony Croatto "Cucubano", que posteriormente grabara el quinteto internacional Menudo. Y sus temas navideños han formado parte del repertorio de varios cantantes.


Su presencia en competencias internacionales se dio con la participación de Los Hermanos Castro en el Festival de Río, donde interpretaron su composición en portugués "Y después del amor". En Buga, Colombia, obtuvo el primer lugar con "Deja al poeta cantar" que interpretó Irma Bruno. En el Festival de la Salsa en Venezuela llegó a la posición cimera con "Sal saludando" interpretado por Cheo Feliciano.


Ha trabajado versiones al español de numerosos temas internacionales. Le dio letra en español a "Candilejas" de Charlie Chaplin que grabó Wilkins, su versión de "Si yo fuera rico" le dio un gigantesco éxito a Chucho Avellanet, así como trabajó las primeras versiones al español que grabó Nelson Ned.


Sus composiciones han formado parte de la banda sonora de películas como "Mujeres al borde de un ataque de nervios", "Bad Habits" y "Godfather II".


Junto a su labor como compositor, Tite Curet ha desarrollado una extensa carrera periodística a través de publicaciones como "Variedades", "Estrellas", "El Mundo", El Reportero", "Vea" y "El Vocero". Ha publicado el libro "De la vida misma", así como mantiene un programa semanal en Radio Universidad.

Celia Cruz: la reina de la salsa

Fecha de nacimiento
21 de octubre de 1925 (Sin confirmar) en La Habana, Cuba

Fallecimiento
16 de julio de 2003 en Fort Lee, Nueva Jersey, Estados Unidos

Sobrenombres
La reina de la salsa
La guarachera mayor

Celia Cruz es el mayor ícono de la música cubana. Una voz inconfundible, alegría y carisma en el escenario y el famoso grito de guerra ¡Azúcar! le hicieron un lugar en el panteón de leyendas de la música latina. Cantó bolero, salsa, guaracha, música yoruba, son, y en los últimos años experimentó con hip-hop y rock. Grabó con varias orquestas y tuvo participaciones en el cine y la televisión. Su carrera duró más de 50 años.

Inicios

Fue bautizada Úrsula Hilaria Celia de la Caridad Cruz Alfonso, la segunda de catorce hermanos. Desde pequeña aprende los coros yoruba de la santería cubana. En su juventud canta en cabarets y estaciones de radio de La Habana. En 1948 llega como cantante al grupo de bailarinasLas Mulatas de fuego, meses después grabaría sus primeros temas con las orquestas venezolanas Leonard Melody y Sonora Caracas.

La Sonora Matancera

Cruz se une a la Sonora Matancera, la orquesta tropical más famosa de todos los tiempos, en 1950. Llegó como reemplazo de Myrta Silva. Supera con paciencia las críticas iniciales del público hasta convertirse en su primera voz. En la orquesta conoce al que sería su esposo, el trompetista Pedro Knight. Por 15 años recorrió el mundo y grabó más de 10 álbumes con la orquesta. Canciones como Burundanga, Caramelos, El yerbero moderno, Tu voz, Ritmo tambó y flores son algunos de los éxitos de esa época dorada de Celia Cruz con la Sonora Matancera. Conciertos de reunión con la orquesta se realizaron en los años posteriores a su partida de la orquesta.

Éxilio y salsa

La revolución cubana (diciembre de 1959) sorprende a Celia Cruz y la Sonora en plena gira. La cantante nunca volvería a su tierra natal. Después de un periodo en México, la orquesta llega al área metropolitana de Nueva York, donde establecería residencia hasta su muerte. En la Gran Manzana se une al movimiento cultural de la salsa, que el resto de músicos latinos fundaba desde las calles. En los siguientes 30 años, Cruz grabaría álbumes con las orquestas de legendarios como Johnny Pacheco, Tito Puente, Larry Harlow,Willie Colón, Ray Barretto y la puertorriqueña Sonora Ponceña.

Los últimos años

La cubana se mantuvo vigente hasta su muerte en 2003. Desde los noventa colaboró con músicos de otros géneros, especialmente con las nuevas generaciones. Hizo una con la banda de rock argentina Los Fabulosos Cadillacs y versionó la tradicional Guantanamera con el grupo de rapFugees. Canciones como La vida es un carnaval yLa negra tiene tumbao llegaron a los primeros lugares de las listas de éxitos.

Otros datos de Celia Cruz

• Ganó 23 discos de oro
• Obtuvo 3 Premios Grammy y 4 Grammy Latino
• El Smithsonian Museum dedicó una exhibición a su carrera.
• Hizo parte de los conciertos de amigos del tenor Luciano Pavarotti en 1999.
• Fue velada en Miami y Nueva York. Está enterrada en el cementerio de Woodlawn en El Bronx. Su tumba tiene tierra cubana, que recogió en su visita a la isla de Guantánamo. 

Gran Combo y Sonora Ponceña

El Gran Combo de Puerto Rico y la Sonora Ponceña son dos orquestas de salsa con más de 40 años de historia musical. Representan la música tropical puertorriqueña, y le han dado al género varios de sus grandes músicos y cantantes.

El Gran Combo

Perfil:
Fue fundada en 1962 por Rafael Ithier, antiguo miembro de Rafael Cortijo y su combo. Su historia se puede dividir en dos eras: la primera con Pellín Rodríguez y Andy Montañez como cantantes principales, que duró hasta mitad de los setenta. La segunda etapa está marcada por el trío de cantantes integrado por Charlie Aponte, Jerry Rivas y Luis "Papo" Rosario a partir de 1980. Por la cantidad de artistas que ha sacado a la luz, El Gran Combo es considerado la "Universidad de la salsa".

Estilo y producción
Ligada a las tradiciones puertorriqueñas, la música del Gran Combo es como una fiesta en familia. Los personajes y situaciones de las letras son comunes para el público que los sigue. A la orquesta que dirige Rafael Ithier se le distingue por los coros de sus cantantes y las líneas pegajosas. También es característico su sentido del humor. Pese a su escuela de salsa dura, el Gran Combo no pasó inadvertido durante la era romántica de los ochenta, en la que dejó temas como Esos ojitos negros y Gotas de lluvia.

Canciones recomendadas
Ojos chinos
No hay cama pa' tanta gente
Un verano en Nueva York
Goyito Sabater
Azuquita pa'l café 

Sonora Ponceña

Perfil
Fue fundada en 1954 por Enrique "Quique" Lucca y es heredera directa de la música cubana de los 40 y 50. El hijo de Lucca, "Papo" Lucca, pianista y arreglista de la orquesta, es considerado uno de los mejores pianistas de la salsa. Su sonido sirve de memoria de la música caribeña a la vez que representa experimentos. Entre los fans tiene un culto aparte al de la Fania y otros artistas. Por alguna razón los fans de la Ponceña se siente diferentes a los demás. Es tanto el sonido urbano de Nueva York como el provincial de Puerto Rico.

Estilo y producción
Lo que más resalta en la Ponceña es que es una orquesta de descargas. El piano de Lucca es el corazón de la orquesta, pero cantantes como Luigi Texidor, Yolanda Rivera,Tito Gómez Miguel Ortiz, Alberto Ledée y Luisito Carrión han sido su alma. La orquesta guarda una imagen internacional que se ancla en la raíz africana de su música. En 1979 la orquesta grabó el álbum La Ceiba junto a Celia Cruz.

Canciones recomendadas 
Bomba Carabomba 
Boronda
El Pío Pío
Moreno soy
Fuego en el 23

Veredicto:
Mejor un consejo. Reúne las canciones recomendadas y arma una parranda salsera con estas orquestas de primer nivel.

Salsa: música con sabor

La salsa es quizás el género musical con el que más se identifica a los latinoamericanos en el resto del mundo. Para sus aficionados, la salsa más que una música y una forma de bailar, es todo un estilo de vida. Características: La salsa toma el mismo patrón rítmico del son cubano con un tiempo de 2/2, que quiere decir dos pulsos por compás. Combina instrumentos de percusión afro caribeños como la conga, el bongó, los timbales, las maracas, las claves y la campana con un sección de vientos compuesta por saxofón, trompeta y trombón. Piano, bajo y otros instrumentos de cuerda completan la composición de las orquestas. La parte vocal se la reparte una voz principal y un grupo de coristas. La salsa es una fusión de los ritmos del folclor afro latino con el jazz, swing y soul estadounidenses. Origen: Definir con acierto el origen de la salsa es una tarea que mantiene ocupados a historiadores y musicólogos. Sin embargo, hay un consenso general de que la salsa nace en los barrios latinos de Nueva York a finales de los sesenta. El género es el resultado de los experimentos de los músicos latinos, la mayoría puertorriqueños, con la música cubana y el jazz estadounidense. La salsa es posterior a otros ritmos tocados por la diáspora latina en Nueva York como el chachachá, la pachanga y el boogaloo. La palabra salsa se acuña en las estaciones radiales como una referencia al sabor latino que su sonido representaba. Estrellas de la Fania La fundación del sello disquero Fania Records en 1964 fue fundamental para el desarrollo del género. Fue establecido en Nueva York por el músico dominicano Johnny Pacheco y el abogado Jerry Masucci. Bajo Fania grabaron artistas como Ray Barretto, Willie Colón, Héctor Lavoe, Celia Cruz, Roberto Roena, Cheo Feliciano, Eddie Palmieri, Tito Puente, Richie Ray y Bobby Cruz, entre otros. El gran momento de Fania fue cuando Pacheco reunió a la élite de salsa en el escenario bajo el nombre de Fania All-Stars o Estrellas de la Fania. La salsa de este periodo es conocida como salsa dura o pesada. Salsa de Puerto Rico: Paralelo al movimiento de Nueva York, un grupo de artistas emergió en Puerto Rico. Los caracterizó un estilo menos urbano y más ligado a la vida provincial de la isla. Aunque siempre en comunicación con Nueva York, artistas como Ismael Rivera, Raphy Leavitt y Willie Rosario así como las orquestas Sonora Ponceña y Gran Combo de Puerto Rico son algunos de los exponentes del sonido de la isla. Salsa en América Latina: Otros países de América Latina acogieron el movimiento salsero y varios de sus artistas son considerados leyendas. En República Dominicana sobresalen los soneros Cuco Valoy y José Alberto “El canario”. Colombia comenzó a aportar desde los setenta gracias Fruko y sus Tesos y Latin Brothers, luego en los ochenta aparecieron Joe Arroyo, Grupo Niche y Orquesta Guayacán. La mayor figura de Venezuela es el contrabajista Óscar D'León. En Panamá se destacan los hermanos Rubén y Roberto Blades. En Perú, donde el puerto del Callao es uno de los grandes asentamientos de la salsa en el mundo, los más conocidos son Melcochita y Lucho Cueto. Salsa romántica: La explosión de las grandes orquestas de merengue en los años ochenta le quitó espacio a la salsa tradicional o salsa dura en la radio. Un sonido romántico y con menos descarga la trajo de vuelta. Los cantantes de las orquestas de los setenta como Adalberto Santiago, Frankie Ruiz, Paquito Guzmán y Lalo Rodríguez hicieron álbumes en solitario con canciones de melodías lentas y letras románticas. A ellos se sumó el puertorriqueño Eddie Santiago, la figura más representativa de la salsa romántica. La actualidad: Con algunos leves cambios, la salsa romántica mantiene su lugar en la radio comercial con figuras como Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuelle y Jerry Rivera. Cantantes como La India y Marc Anthony hacen salsa, pop y música dance con voces educadas en la vieja escuela neoyorquina. Orquestas como Spanish Harlem Orchestra (Nueva York) y La 33 (Bogotá, Colombia) siguen colonizando al mundo con un sonido fiel al de los sesenta y setenta.

Feliz Cumpleaños Héctor Lavoe

Héctor Juan Pérez Martínez Mejor conocido como El cantante de los Cantantes (Hector Lavoe) (September 30, 1946 – June 29, 1993) hubiera cumplido 65 años. Feliz Cumpleaños Hector Lavoe.

De todos es conocimiento, que Héctor Lavoe marcó la vida de muchos salseros en el mundo entero. Conocido como el cantante de los cantantes, ya que los cantantes y personalidades artísticas lo admiraban mucho, Héctor Lavoe logró con su picardía en las canciones, conquistar al mundo. Llegaba tarde a los eventos en muchas ocasiones, pero el público lo espera, por eso fue bautizado también como el rey de la puntualidad.

Su vida estuvo llena de obstáculos positivos y negativos, sufriendo la pérdida de su hijo, la muerte de su suegra, la caída de un noveno piso, hicieron su vida mucho más difícil de lo que ya era. Héctor Lavoe muere solo, abandonado por sus amigos, pero nunca fue abandonado por su publico, que a pesar de estar muerto, lo sigue apoyando y siempre estará en sus corazones. Siempre te recordaremos Héctor Lavoe (El Cantante de los Cantantes.